人类曾有过群英璀璨的时代，那时我们渴望永恒，热切寻找“灵晕”，希望伸手采摘星辰。然而世间流行的艺术则是“奶嘴乐”、速朽以及平庸，资本、权力引领了当代艺术圈，投喂给大众的是机械复制的工业快餐，作者和观众一同被裹挟在变幻无尽的潮流中，乱哄哄地“你方唱罢我登场”，又“卷地风来忽吹散”。面孔苍白的人们混迹于各类展览，似是古人般游山玩水，却难觅游目骋怀的超然。揭开隆重开幕的表皮，作品大多是面貌凋萎，喧嚣如台风过境般，留给人们的唯有乱象和反思。

　　于此艺术生态中，却有一股清风吹来，那就是韩宇光的创作。他的绘画是一种理性精致的构建和创造，有诸内而行诸外，让人忆起往昔的艺术巨匠和哲人。在这纷乱的世间，他以画家特有的不妥协的姿态，独立探索世界本体之真相。

　　韩宇光绘画作品的典型特征是画面冷静的几何构成。他不随意解构秩序而是在画布上主观建构秩序。早在古希腊时代，数的秩序就已被定义，他的新作隐含了几何意义外新的寓意布局，各元素关系如同骨架，起到类似建筑结构的支撑作用，水平线和垂直线，黄金分割比例，律动的内在节奏，合力筑造了庄严的栖息之地，深藏若虚并巧妙安排，“无穷大”小心翼翼地隐匿于圣光之中，以获得一种神性的呈现。

　　如果说几何构成是韩宇光绘画作品的骨架，那么光与色的关系就是其作品的血肉。牛顿的三棱镜研究揭示了光的色散原理，艺术史也就此谱写新篇章。七种色光“红橙黄绿青蓝紫”，按照不同的波长排列渐变。在天，则为雨后贯日长虹，在地，化作欧洲教堂的彩色玻璃窗。当阳光穿过彩色玻璃照亮头顶空间，光线斑斓颤动，经此陆离之光的慰藉，人已远离但丁的炼狱。当光的波动切入韩宇光的画面时，彩虹的颜色便再次闪烁于那奇异禽鸟的羽翅之间，微妙而华美，精致而冷峻。

　　“几何构成与色彩”乃是作品向观众的初次邀请，继而呈现的是韩宇光处理画面“肌理”的匠心。他使用了一种高度精致且符合光学原理的特别技巧。“肌理”是绘画语言的重要元素之一，每个画种都有最相应最适宜的肌理语言，通常也称之为“材料美感”，比如油画的厚重、半浮雕感，木版画的“刀味”或“版味”。画家通常利用“通感”或“联觉”的方法，扩大作品的艺术张力。韩宇光的油画作品，从材料质地的使用来说，恰如其分地呈现了油画本身的材料优势，观察其作品色层处理，可以感受到他拥有强大的画面控制力，看似偶然的效果，几乎都是苦心经营的结晶。画面颜料呈颗粒状排列，底层高纯度的色彩，常常冲破面纱一样盖住它的灰色，上升到画面表层，进入观众视线。上下两个色层并非通过互相搅拌来混合，而是一种互不相关的并置关系，这就是光学意义上的色彩“中性混合”，也是利用人的视错觉的一种色混合方式，画面由此摒弃反光但保持了色彩本身的微妙闪烁。这种处理方式有点类似古典的罩染技法，层层透明叠加，最终形成类似“光学灰”的效果。事实上韩宇光创造了独属自己的绘画技法：穷尽颜料物性的质感，进而成就气质的空性。通常油画多见于光亮的画面肌理，但韩宇光笔下的肌理，不光亮，不腻俗，不油滑。如人饮清茶，涩后回甘。中国传统艺术的审美，讲究的也正是这样一种涩味。随性的情绪流泻未免失之粗野，理性的克制内敛才是探究艺术本源之路。

　　特别的肌理固然含蓄和百转千回，其精神质地更为“怀文抱质”。文质彬彬，然后君子。何为质，一言以蔽之：静也。韩宇光的作品宁静，却非寂灭。众所周知，日本的艺术精神乃是“落花一瞬”，所谓物哀与幽玄，讲究和追求清冷的“侘寂”，但寂灭的实质，其实是熵增的死灰。韩宇光的的绘画静则静矣，并不苦寒。“动静齐观”常见于他的作品，画中飞鸟翅膀已然划过，空中漂浮着幻影，却已成绝响的高士之心，与王维的五言绝句“空山不见人，但闻人语响。返景入深林，复照青苔上。”有异曲同工之妙。画面因“动”而彰显“静”之空灵，在环境与飞禽的动静呼应中，生命的“存在”逐渐显现自身的本真，一个意识到自身“存在”的“存在者”永劫孤独。作品带领众人旁观这种鲜明的宿命，但是它又以略显高傲的阻抗拒绝进入集体无意识的论断，毕竟作品已构建了自我认知，本真之世界自此沉默无言处诞生。

　　韩宇光的新作绘画语言微妙而超越以往，冷峻而不失活力，始于理性归于高贵，香港新亚研究所吴甿教授曾说过：“柏拉图要创造的那个世界，普通人是不愿意住进去的。”而韩宇光用画笔打开的理性世界，让世人能驻足领略造物主创造物像之奇妙，并跟随艺术家的画笔漫游此神圣静谧之境，在欣赏作品的同时，得到流逝的浮生中最安详的瞬息，此一瞬息，亦已总收在“永恒”那一类价值之中。

　　2019年9月于上海